ウェブ上の音楽コミュニティやSNSを観察していると、「純正律こそが自然の法則に適った至高の音楽であり、平均律は人工的で劣った妥協の産物にすぎない」といった極端な言説を目にすることがあります。しかし、これは音響心理学および演奏現場の実態から見れば明らかな誤解であり、一面的な神話にすぎません。音楽の現場で直面する純正律のメリット・デメリットは、より複雑で奥深いものです。
まず知っておくべき盲点は、「旋律（メロディ）として単音で聴いた場合、純正律は間が抜けて聴こえやすい」という心理音響の事実です。特に主音へと向かう「導音（ドに対するシの音）」は、平均律やピタゴラス音律のように少し高めに取った方が、次の音へと解決する推進力や緊張感、華やかさが際立ちます。純正律の低めに抑えられた長三度は、和音の中で鳴らすと極上の美しさを誇りますが、ソロの旋律として堂々と伸ばされると、聴き手には「音程がぶら下がって調外れ（フラット）に聴こえる」という錯覚を生み出してしまうのです。
さらに現場では、過度な純正律志向が生徒や演奏者を追い詰める「純正律ノイローゼ」とも呼ぶべき人間関係・指導上の摩擦も報告されています。特に絶対音感が幼少期から厳密に身についている演奏者の場合、「平均律と違うピッチで吹くこと」自体に強い生理的ストレスや脳の混乱を覚えるケースが少なくありません。指導者が機械的に「三度は14セント下げろ！」と怒鳴りつけるだけでは、響きが美しくなるどころか演奏全体の生気が失われ、アンサンブルが委縮してしまう結末を招きます。
【プロの結論】純正律を適用すべき場面と慎重になるべき場面の判断基準
音楽表現において音律は「どちらが正義か」を争うものではなく、描きたい音像に応じて適切に使い分けるべきツールです。失敗しないための客観的な判断基準を以下に整理します。
▼ 純正律アプローチを徹底的に追求すべき場面：
アカペラ合唱、ルネサンス・バロック期の宗教曲、ブラスアンサンブルのコラールセクション、テンポが緩やかで和声の持続が長い楽曲。こうした場面では、うなりを極限まで排除した純正律の響きが圧倒的な浄化作用と感動を生み出します。
▼ 平均律や柔軟なピッチ感を優先すべき場面：
ピアノや電子楽器との協奏曲、テンポが速く激しい転調を繰り返す現代ポップスやジャズ、金管楽器が華やかなファンファーレを吹き鳴らす勇壮なメロディライン。これらを純正律に縛り付けると、楽曲の推進力やスピード感が削がれ、アンサンブルが破綻するリスクが高まります。
