舞台関係者の証言や劇場の音響設計データを突き詰めると、オペラとミュージカルの決定的な違いは極めてシンプルに集約されます。それは「電気的な拡声（マイク）を行うかどうか」と「何を表現の中心に据えているか」という点です。
まず押さえるべきはマイクの有無と音響の設計思想です。伝統的なオペラでは、原則として演者はピンマイクを一切装着しません。2,000席を超える巨大劇場の最後列まで、演者は自らの生身の肉体と喉だけで声を届かせます。劇場そのものが巨大なアコースティック楽器として設計されており、反響板や建築構造を計算し尽くした空間で生の音波を浴びる体験こそがオペラの神髄です。一方のミュージカルは、すべての主要キャストが目立たない超小型ワイヤレスマイクを額や耳元に装着します。デジタル音響卓（PA）を通じてオーケストラやバンドの音量と精緻にミキシングされ、囁くような吐息から激しいシャウトまで、映画のようにクリアな音響バランスを客席へ届けます。
この音響構造の差は、直結して歌い方の違いと発声法を決定づけています。オペラ歌手が用いるのは、頭蓋骨や胸郭を共鳴腔として極限まで響かせるベルカント唱法の特徴を持った声楽的発声です。長年の訓練によって母音の響きを均一化し、喉に過度な負担をかけずに大音量を維持する技術体系が確立されています。対してミュージカル俳優は、セリフのイントネーションをそのまま歌に乗せるため、地声（チェストボイス）をベースに高音域へと押し上げる「ベルティング唱法」や、ポップス・ロック・ジャズの歌唱法を作品に応じて使い分けます。
さらに、劇中におけるセリフと歌の比率も大きな識別点です。純粋なオペラ（特にグランド・オペラ）は、登場人物の日常会話に相当する部分も「レチタティーヴォ（朗唱）」と呼ばれる節回しで歌われ、作品の最初から最後まで音楽が途切れることはほぼありません。ミュージカルは基本的に「セリフ（芝居）」「歌」「ダンス」の三要素が等価に扱われ、感情が昂ぶった瞬間にセリフが歌へと昇華し、さらに激しいダンスへと発展していく構造を取ります。
